Oma elu jooksul kuulus kunstnik olla ei taga, et teised artistid sind mäletavad. Kas olete kuulnud prantsuse maalikunstnik Ernest Meissonierist?
Ta oli kaasaegne Edouard Maneti ja kriitikute tunnustuse ja müügi osas ülekaalukalt edukama kunstnikuga. Vincent van Goghiga on ka vastupidi. Van Gogh tugines oma vennale Theole, et varustada teda värviga ja lõuendiga, kuid täna saavad tema maalid rekordhinnad alati, kui need kunstioksjonil välja tulevad, ja ta on perekonnanimi.
Vaadates kuulsaid maale minevikus ja praegu, võib see teile õpetada palju asju, sealhulgas värvi kompositsiooni ja käsitlemist. Kuigi ilmselt on kõige olulisem õppetund see, et peaksite lõpuks maalima iseendale, mitte turule või järeltulijatele.
"Öine vaht" - Rembrandt
Maali "Öine vaht" autor Rembrandt on Rijksmuseum Amsterdamis. Nagu foto näitab, on see tohutu maal: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt lõpetas selle 1642. aastal. Selle tõeline pealkiri on "Frans Banning Cocqi ja Willem van Ruytenburchi ettevõte", kuid see on paremini tuntud just kui
Öövalve. (Miilitsavalvuriks olev ettevõte).Maali koostis oli perioodil väga erinev. Selle asemel, et kujundeid kenasti ja korrektselt näidata, kus kõik said lõuendil sama rõhuasetuse ja ruumi, on Rembrandt maalinud need tegevuses hõivatud rühmana.
Umbes 1715. aasta paiku värviti "Öisele valvele" 18 inimese nimesid sisaldav kilp, kuid ainult mõned nimed olid kunagi tuvastatud. (Nii et pidage meeles, kui maalite grupiportree: joonistage tagaküljele skeem, et lisada kõigi tulevaste nimed põlvkonnad teavad!) 2009. aasta märtsis jõudis Hollandi ajaloolane Bas Dudok van Heel lõpuks lahti mõistatus, kes on kes maalimine. Tema uurimistööst leiti isegi rõivaid ja aksessuaare, mida on kujutatud "Öises vahis", mida mainiti perekondlikud valdused, mille ta siis koos erinevate miilitsate vanusega 1642. aastal, aastal maalis valmis.
Dudok van Heel avastas ka, et saalis, kus Rembrandti "Öine vaht" esmakordselt üles riputati, oli kuus rühma algselt pidevas seerias välja pandud miilitsate portreed, mitte kuus eraldi maali, nagu see juba ammu on olnud mõtles. Pigem moodustasid Rembrandti, Pickenoy, Bakkeri, Van der Helsti, Van Sandrarti ja Flincki kuus rühma portreed katkematu friisi, mis kumbki sobis üksteisega ja kinnitati ruumi puitpaneelidesse. Või see oli kavatsus. Rembrandti "Öine vaht" ei sobi teiste maalidega ei kompositsioonilt ega värvilt. Tundub, et Rembrandt ei pidanud kinni oma komisjoni tingimustest. Kuid siis, kui tal oleks olnud, poleks meil kunagi olnud seda silmatorkavalt erinevat 17. sajandi grupiportreed.
"Jänes" - Albrecht Dürer
Tavaliselt nimetatakse seda Düreri küülikuks, selle maali ametlik pealkiri nimetab seda jäneseks. Maal on filmi alalises kollektsioonis Batlineri kollektsioon selle Albertina muuseum Austrias Viinis.
Selle maalimiseks kasutati akvarelli ja guašše, valged esiletõstmised olid tehtud guaššides (selle asemel, et paber oleks värvimata valge).
See on suurepärane näide karusnaha värvimisest. Selle matkimiseks sõltub kasutatav lähenemisviis sellest, kui palju kannatlikkust teil on. Kui teil on oodleid, värvite õhukese pintsliga, üks juuksed korraga. Muul juhul kasutage kuiva harja tehnikat või jagage juuksed harjale. Kannatlikkus ja vastupidavus on hädavajalikud. Töötage märjale värvile liiga kiiresti ja üksikud löögid võivad seguneda. Ärge jätkake piisavalt kaua ja karusnahk tundub lõnga.
Sixtuse kabeli laefresco - Michelangelo
Michelangelo maal Sixtuse kabeli laest on üks kuulsamaid freskosid maailmas.
Sixtuse kabel on suur kabel apostlikus palees, paavsti (katoliku kiriku juhi) ametlikus residentsis Vatikanis. Sellesse on maalitud palju freskosid, renessansi mõne suurima nime järgi, sealhulgas Bernini ja Raphaeli seinafreskod, kuid kõige kuulsam Michelangelo laes olevate freskode poolest.
Michelangelo sündis 6. märtsil 1475 ja suri 18. veebruaril 1564. Paavst Julius II tellimusel töötas Michelangelo selle kallalSixtuse kabeli lagi maist 1508 kuni oktoobrini 1512 (ajavahemikul september 1510 kuni august 1511 tööd ei tehtud). Kabel pühitseti sisse 1. novembril 1512, kõigi pühade pühal.
Kabeli pikkus on 40,23 meetrit, laius 13,40 meetrit ja kõrgeim lagi 20,70 meetrit maapinnast.1. Michelangelo maalis rea piibellikke stseene, prohveteid ja Kristuse esivanemaid, aga ka trompe l'oeili või arhitektuuri tunnuseid. Lae peamine ala kujutab 1. Moosese raamatu lugude lugusid, sealhulgas inimkonna loomist, inimese armu langemist, veeuputust ja Noa.
Sixtuse kabeli lagi: detail
Inimese loomist näitav paneel on ilmselt Sixtuse kabeli laes Michelangelo kuulsa fresko kõige tuntum stseen.
Vatikani Sixtuse kabelis on maalitud palju freskosid, kuid kõige kuulsam on see Michelangelo laes olevate freskode poolest. Vatikani kunstieksperdid tegid aastatel 1980–1994 ulatusliku restaureerimise, eemaldades küünaldelt sajanditepikkuse suitsu ja varasemad restaureerimistööd. See näitas värve palju eredamalt, kui seni arvati.
Pigmendid, mida Michelangelo kasutas, sisaldasid punaste ja kollaste jaoks ookrit, roheliste jaoks rauasilikaate, sinise jaoks lapis lazuli ja mustaks sütt.1 Kõik pole maalitud nii üksikasjalikult, kui see esmapilgul ilmub. Näiteks on esiplaanil olevad kujundid maalitud üksikasjalikumalt kui taustal olevad, suurendades lae sügavustunnet.
Sixtuse kabelist lähemalt:
• Vatikani muuseumid: Sixtuse kabel
• Sixtuse kabeli virtuaalne ringkäik
Allikad:
1 Vatikani muuseum: Sixtuse kabel, Vatikani Linnriigi veebisait, vaadatud 9. septembril 2010.
Leonardo da Vinci märkmik
Renessansiajastu kunstnik Leonardo da Vinci on kuulus mitte ainult oma maalide, vaid ka märkmike poolest. See foto näitab ühte Londoni V&A muuseumis.
Londoni V&A muuseumi kollektsioonis on viis Leonardo da Vinci märkmikku. Seda, Codex Forster III nime all tuntud, kasutas Leonardo da Vinci aastatel 1490–1493, kui ta töötas Milanos hertsog Ludovico Sforza juures.
See on väike märkmik, sellist suurust, mida saaksite hõlpsalt mantlitaskus hoida. See on täis igasuguseid ideid, märkmeid ja visandeid, sealhulgas "hobuse jalgade visandid, joonised mütsid ja riided, mis võisid olla ideed ballide kostüümide jaoks, ja ülevaade inimese anatoomiast pea. "1 Kuigi muuseumis ei saa märkmiku lehti sirvida, saate seda veebis sirvida.
Tema käekirja lugemine pole lihtne, kalligraafilise stiili ja peeglikirjutamise vahel (tagurpidi, paremalt vasakule), kuid mõnel on põnev vaadata, kuidas ta kõikvõimalikke ühte paneb märkmik. See on toimiv märkmik, mitte näitus. Kui olete kunagi mures, et teie loovuse ajakiri ei olnud kuidagi õigesti tehtud ega korraldatud, võtke selle meistri eest vastutus: tehke seda nii, nagu vaja.
Allikas:
1. Avastage Forsteri koodeksid, V&A muuseum. (Vaadatud 8. augustil 2010.)
"Mona Lisa" - Leonardo da Vinci
Leonardo da VinciPariisi Louvre'is asuv "Mona Lisa" maal on vaieldamatult kõige kuulsam maal maailmas. See on ilmselt ka tuntuim näide sfumato, maalitehnika, mis osaliselt vastutab tema mõistatusliku naeratuse eest.
On palju spekuleeritud selle üle, kes oli maalil olev naine. Arvatakse, et see on portugali Lisa Gherardinist, Firenze kangakaupmehe abikaasast Francesco del Giocondo. (Seda soovitas esimeste seas 16. sajandi kunstikirjanik Vasari oma "Kunstnike eludes"). Samuti soovitati tema naeratuse põhjuseks olla see, et ta oli rase.
Kunstiteadlased teavad Leonardo oli alustanud "Mona Lisat" 1503. aastaks, kuna sellel aastal tegi selle rekordi Firenze kõrge ametnik Agostino Vespucci. Kui ta lõpetas, pole see nii kindel. Louvre dateeris maali algselt 1503–06, kuid 2012. aastal tehtud avastused näitavad, et see võis olla sama palju kui kümme aastat hiljem, enne kui see valmis, tuginedes taustale, mis põhineb kivimite joonisel, mida ta on teadaolevalt teinud 1510-15.1 Louvre muutis 2012. aasta märtsis kuupäevad 1503–19.
Allikas:
1. Mona Lisa oleks võinud valmis saada kümme aastat hiljem, kui arvati ajalehes The Art Newspaper, autor Martin Bailey, 7. märts 2012 (vaadatud 10. märtsil 2012)
Kuulsad maalijad: Monet Giverny juures
Võrdlusfotod maalimiseks: Monet'i "Giverny aed".
Osa põhjusest, miks impressionistlik maalikunstnik Claude Monet on nii kuulus, on tema maalid peegeldustest liiliatiikides, mille ta lõi oma suures Giverny aias. See inspireeris aastaid, kuni tema elu lõpuni. Ta visandas tiikidest inspireeritud maalide ideid ning lõi nii üksikute teoste kui ka seeriatena väikseid ja suuri maale.
Claude Monet'i allkiri
See näide sellest, kuidas Monet oma maalidele alla kirjutas, pärineb ühelt tema vesiroosimaalilt. Näete, et ta on sellele alla kirjutanud nime ja perekonnanimega (Claude Monet) ja aastaga (1904). See asub alumises parempoolses nurgas, piisavalt kaugel, et raam ei lõikaks seda ära.
Monet'i täielik nimi oli Claude Oscar Monet.
"Mulje päikesetõus" - Monet
See Monet'i maal andis nime impressionistlik stiil kunsti. Ta eksponeeris seda 1874. aastal Pariisis, mis sai nimeks esimene impressionistlik näitus.
Kunstikriitik Louis Leroy ütles oma ülevaates näitusest, mille ta nimetas "Impressionistide näitus":
"Tapeet on embrüonaalses olekus viimistletud kui see merepilt."
Allikas:
1. Louis Leroy "L'Exposition des Impressionnistes", Le Charivari, 25. aprill 1874 Pariis. Tõlkinud John Rewald aastal Impressionismi ajalugu, Moma, 1946, lk 256-61; tsiteeritud salongis biennaalile: näitused, mis tegid kunstiajalugu, autor Bruce Altshuler, Phaidon, lk 42–43.
"Heinakuhjade" sari - Monet
Monet maalis sageli sama teema seeria, et jäädvustada valguse muutuvat mõju, vahetades lõuendeid päeva edenedes.
Monet maalis ikka ja jälle paljusid objekte, kuid iga tema seeriamaal on erinev, olgu see siis vesiroosi maal või heinakuhi. Kuna Monet'i maalid on kogu maailmas hajutatud, nähakse tema seeriamaale grupina tavaliselt ainult erinäitustel. Õnneks Chicago kunstiinstituut on oma kollektsioonis mitu Monet'i heinakuhja maali, kuna need teevad muljetavaldavaks koos vaatamine:
- Virn nisu
- Sula, päikeseloojang
- Päikeseloojang, lumeefekt
- Lumeefekt, pilves päev
- Suve lõpp
Oktoobris 1890 kirjutas Monet kunstikriitikule Gustave Geffroyle tema maalitavate heinakuhjade sarja kohta kirja, öeldes:
"Olen sellega raske, töötan visalt erinevate efektide kallal, kuid praegusel aastaajal loojub päike nii kiiresti, et sellega on võimatu sammu pidada... mida kaugemale jõuan, seda enam näen, et vaja on palju tööd teha, et muuta see, mida ma otsin: 'kohesus', ennekõike 'ümbrik', sama valgus levib üle kõige... Mind haarab üha enam vajadus seda, mida ma kogen, muuta ja palvetan, et mul jääks veel paar head aastat, sest arvan, et võin selles suunas mingeid edusamme teha... " 1
Allikas:
1. Monet ise, lk 172, toimetanud Richard Kendall, MacDonald & Co, London, 1989.
"Vesiroosid" - Claude Monet
Claude Monet, "Vesiroosid", c. 19140-17, õli lõuendil. Suurus 65 3/8 x 56 tolli (166,1 x 142,2 cm). Kollektsioonis San Francisco kaunite kunstide muuseumid.
Monet on impressionistidest ehk kõige kuulsam, eriti oma Giverny aia liiliatiigis peegelduste maalide poolest. See konkreetne maal näitab parempoolses ülanurgas väikest pilvepilti ja vees peegelduvat taevalaotust.
Kui uurite Monet aia fotosid, nagu see Monet Monet liiliatiik ja see liiliaõied, ja võrdlete neid selle maaliga, tunnetage, kuidas Monet vähendas oma kunsti detaile, sealhulgas ainult stseeni olemust või peegelduse, vee ja liilia muljet Lill. Suurema versiooni saamiseks klõpsake ülaltoodud foto all asuvat linki "Vaata täissuuruses", kus Monet'i pintslitöö on lihtsam tunda.
Prantsuse luuletaja Paul Claudel ütles:
"Tänu veele on [Monetist] saanud selle maalija, mida me ei näe. Ta käsitleb seda nähtamatut vaimset pinda, mis eraldab valguse peegeldusest. Õhuline taevas on vedelas taevas... Värv tõuseb veepõhjast pilvedes, mullivannides. "
Allikas:
Lk 262 Meie sajandi kunst, autorid Jean-Louis Ferrier ja Yann Le Pichon
Camille Pissarro allkiri
Maalikunstnik Camille Pissarro kipub olema vähem tuntud kui paljud tema kaasaegsed (näiteks Monet), kuid kunsti ajaskaalal on sellel ainulaadne koht. Ta töötas nii impressionistina kui uusimpressionistina ning mõjutas nüüdseks kuulsaid artiste nagu Cézanne, Van Gogh ja Gauguin. Ta oli ainus kunstnik, kes eksponeeris kõiki kaheksa filmi Impressionistlikud näitused Pariisis 1874–1886.
Van Goghi autoportree (1886/1887)
Seda portree kõrval Vincent van Gogh on Chicago Kunstiinstituudi kollektsioonis. See oli maalitud kasutades pointillismile sarnast stiili, kuid ei jää rangelt ainult punktidele.
Kahe Pariisis elatud aasta jooksul, 1886–1888, maalis Van Gogh 24 autoportreed. Chicago Kunstiinstituut kirjeldas seda, et Seurati "täpptehnikat" kasutatakse mitte teadusliku, vaid "intensiivse" meetodina emotsionaalne keel, milles punased ja rohelised täpid häirivad ning vastavad täielikult van Goghi tekstis ilmnenud närvipingele pilk. "
Paar aastat hiljem oma õele Wilhelminale saadetud kirjas kirjutas Van Gogh:
"Maalisin endast viimasel ajal kaks pilti, millest ühel on minu arvates pigem tõeline iseloom, kuigi Hollandis pilkaksid nad tõenäoliselt idanevaid ideid portreemaali kohta siin... Ma arvan, et fotod on alati jäledad ja mulle ei meeldi, kui neid on, eriti mitte nende inimeste jaoks, keda ma tunnen ja armastan... fotoportreed närbuvad palju varem kui meie ise, samas kui maalitud portree on asi, mida tuntakse, tehakse armastuse või austusega portreteeritava inimese vastu. "
Allikas:
Kiri Wilhelmina van Goghile, 19. september 1889
Vincent van Goghi allkiri
Öökohvik Van Goghi autor on nüüd Yale'i ülikooli kunstigalerii kollektsioonis. On teada, et Van Gogh allkirjastas ainult need maalid, millega ta oli eriti rahul, kuid selle maali puhul on ebatavaline see, et ta lisas allkirja alla pealkirja "Le café de Nuit".
Märkus. Van Gogh kirjutas oma maalidele alla lihtsalt "Vincent", mitte "Vincent van Gogh" ega "Van Gogh".
24. märtsil 1888 kirjutatud kirjas oma vennale Theole ütles ta:
"Tulevikus tuleks minu nimi kataloogi lisada, kui ma sellele lõuendile kirjutan, nimelt Vincent ja mitte Van Gogh sel lihtsal põhjusel, et nad ei oska seda viimast nime siin hääldada."
"Siin" on Arles, Lõuna-Prantsusmaal.
Kui olete mõelnud, kuidas hääldate Van Goghi, pidage meeles, et see on hollandi perekonnanimi, mitte prantsuse ega inglise keel. Nii et "Gogh" hääldatakse, nii et see riimub Šoti "lochiga". See pole "goff" ega "go".
Täheline öö - Vincent van Gogh
See maal, mis on tõenäoliselt kõige kuulsam Vincent van Goghi maal, on Kolledži kollektsioonis Moodsa kunsti muuseum New Yorgis.
Van Gogh maalis Täheline öö juunis 1889, mainides hommikutähte oma vennale Theole 2. juuni 1889. aasta paiku kirjutatud kirjas: "Täna hommikul ma nägi riiki minu aknast tükk aega enne päikesetõusu, kus polnud muud kui hommikutäht, mis tundus väga suur. "Hommikutäht (tegelikult planeet Veenus, mitte täht) peetakse üldiselt suureks valgeks, mis on maalitud just maali keskmest vasakule.
Van Goghi varasemates kirjades mainitakse ka tähti ja öötaevast ning tema soovi neid maalida:
1. "Millal saan kunagi tähistaeva teha, see pilt, mis mul alati meeles on?" (Kiri Emile Bernardile, umbes 18. juuni 1888)
2. "Mis puutub tähistaevasse, siis ma loodan jätkuvalt selle maalida ja võib-olla ka ühel neist päevadest." (Kiri Theo van Goghile, 26. september 1888).
3. "Praegu tahan absoluutselt tähistaevast maalida. Mulle tundub sageli, et öö on ikka rikkalikumalt värviline kui päev; millel on kõige intensiivsemad kannikesed, sinised ja rohelised toonid. Kui ainult sellele tähelepanu pöörata, näete, et teatud tähed on sidrunkollased, teised roosad või rohelised, sinised ja unustage mind-mitte-sära... on ilmne, et tähistaeva maalimiseks ei piisa väikeste valgete täppide panemisest sinimustmusta. "(Kiri Wilhelmina van Goghile, 16. september 1888)
Asnierese restoran de la Sirene - Vincent van Gogh
See Vincent van Goghi maal on Suurbritannias Oxfordis asuva Ashmoleani muuseumi kollektsioonis. Van Gogh maalis selle varsti pärast saabumist Pariisi 1887. aastal, et elada oma venna Theoga Montmartres, kus Theo juhtis kunstigaleriid.
Esimest korda puutus Vincent kokku impressionistide (eriti Monet) maalidega ja kohtus selliste kunstnikega nagu Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard ja Pissarro. Võrreldes tema varasema loominguga, kus domineerisid tumedad mullatoonid, mis olid tüüpilised Põhja-Euroopa maalikunstnikele nagu Rembrandt, näitab see maal nende kunstnike mõju temale.
Värvid, mida ta kasutas, on heledamaks ja heledamaks muutunud ning tema pintslitöö on muutunud lõdvemaks ja ilmsemaks. Vaadake neid detaile maalilt ja näete, kuidas ta on kasutanud väikseid puhta värviga lööke, mis on eraldatud. Ta ei sega lõuendil värve, vaid laseb sellel vaataja silmis juhtuda. Ta proovib katkine värv impressionistide lähenemine.
Võrreldes tema hilisemate maalidega on värviribad üksteisest eraldatud, nende vahel on neutraalne taust. Ta ei kata veel kogu lõuend küllastunud värvidega ega kasuta võimalusi värvide enda tekstuuri loomiseks pintslite kasutamiseks.
Restoran de la Sirene, Asnieres, autor Vincent van Gogh (Detail)
Need üksikasjad Van Goghi maalist The Restaurant de la Sirene Asniereses (Ashmoleani muuseumi kollektsioonis) näitavad, kuidas ta katsetas oma pintslitöö ja pintslitega pärast kokkupuudet impressionistide ja teiste kaasaegsete pariislaste maalidega kunstnikud.
"Neli tantsijat" - Edgar Degas
Edgar Degas, neli tantsijat, umbes. 1899. Õli lõuendil. Suurus 59 1/2 x 71 tolli (151,1 x 180,2 cm). Aastal Riiklik kunstigalerii, Washington.
"Kunstniku ema portree" - Whistler
See on tõenäoliselt Whistleri kuulsaim maal. Selle täielik pealkiri on "Hall ja must seade nr 1, kunstniku ema portree". Ema nõustus maali jaoks poseerima, kui Whistleri kasutatud mudel haigestus. Esialgu palus ta tal püsti poseerida, kuid nagu näha, andis ta järele ja lasi tal maha istuda.
Seinal on Whistleri söövitus "Black Lion Wharf". Kui vaatate ülalt vasakule ülalt kardinat ofordi kaadrist näete kergemat määrdumist, seda liblikasümbolit Whistler kasutas oma maalide allkirjastamiseks. Sümbol ei olnud alati sama, kuid see muutus ja tema kuju kasutatakse tema kunstiteose dateerimiseks. On teada, et ta hakkas seda kasutama 1869. aastaks.
"Lootus II" - Gustav Klimt
"Kes tahab minust midagi teada - kunstnikuna, ainus tähelepanuväärne asi -, peaks vaatama hoolikalt minu pilte ja proovima neis näha, mis ma olen ja mida ma tahan teha." Klimt.
Gustav Klimt maalis Lootus II lõuendil 1907/8, kasutades õlivärve, kulda ja plaatina. Selle suurus on 43,5x43,5 "(110,5 x 110,5 cm). Maal on osa kollektsiooni Moodsa kunsti muuseum New Yorgis.
Lootus II on ilus näide Klimti kuldlehe kasutamine maalides ja tema rikkalik dekoratiivstiil. Vaadake, kuidas ta on joonistanud peafiguuri rõivaeseme, kuidas see on ringidega kaunistatud abstraktne kuju, kuid me ikkagi loeme seda mantli või kleidina. Kuidas see sulab põhjas kolme teise näo sisse.
Kunstikriitik Frank Whitford ütles oma illustreeritud Klimti eluloos:
Klimt "pani ehtsat kulda ja hõbedat lehte, et veelgi suurendada muljet, et maal on kallis ese, mitte kaugelt peegel, milles loodust saab pilgutada, vaid hoolikalt sepistatud ese. " 2
See on sümboolika, mida peetakse tänapäeval endiselt kehtivaks, arvestades, et kulda peetakse endiselt väärtuslikuks kaubaks.
Klimt elas Austrias Viinis ja ammutas inspiratsiooni rohkem idast kui läänest, sellistest allikatest nagu Bütsantsi kunst, mütseenlaste metallitööd, pärsia vaibad ja miniatuurid, Ravenna kirikute mosaiigid ja jaapani keel ekraanid. " 3
Allikas:
1. Kunstnikud kontekstis: Gustav Klimt autor Frank Whitford (Collins & Brown, London, 1993), tagakaas.
2. Ibid. p82.
3. MoMA tipphetked (Moodsa kunsti muuseum, New York, 2004), lk. 54
Picasso allkiri
See on allkiri Picasso oma 1903. aasta maalil (sinisest ajastust) pealkirjaga "Absindi jooja".
Picasso katsetas oma nime mitmesuguseid lühendatud versioone kui maali allkirja, sealhulgas tiirutas initsiaalid, enne kui seadis "Pablo Picasso". Täna kuuleme teda üldiselt lihtsalt nimetamas "Picasso".
Tema täielik nimi oli: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.
Allikas:
1. "Summa hävitusi: Picasso kultuurid ja kubismi loomine", autor Natasha Staller. Yale'i ülikooli kirjastus. Lk 209.
"Absindi jooja" - Picasso
Selle maali lõi Picasso 1903. aastal, oma sinise perioodi ajal (ajal, mil Picasso maalidel domineerisid sinised toonid; kui ta oli kahekümnene). Selles osaleb kunstnik Angel Fernandez de Soto, kes oli pidutsemisest ja joomisest rohkem vaimustatud kui tema maal1ja kes jagas kahel korral Barcelonas Picassoga stuudiot.
Maali pani 2010. aasta juunis oksjonile Andrew Lloyd Webberi fond pärast seda, kui USA-s oli omandiõiguse osas sõlmitud kohtuväline kokkulepe. pärast Saksa-juudi pankuri Paul von Mendelssohn-Bartholdy järeltulijate väidet, et maal oli 1930. aastatel natsirežiimi ajal sunnitud Saksamaa.
Allikas:
1. Christie oksjonimaja Pressiteade, "Christie pakub Picasso meistriteost", 17. märts 2010.
"Tragöödia" - Picasso
Pablo Picasso, Tragöödia, 1903. Õli puidul. Suurus 41 105,3 x 69 cm (7/16 x 27 3/16 tolli). Aastal Riiklik kunstigalerii, Washington.
See pärineb tema sinisest perioodist, kui tema maalid domineerisid, nagu nimigi ütleb, kõik sinised.
Picasso visand tema kuulsa "Guernica" maali jaoks
Planeerides ja töötades oma tohutut maali Guernica, tegi Picasso palju visandeid ja uuringuid. Fotol on üks tema kompositsioon visandid, mis iseenesest eriti välja ei näe, kritseldatud joontekogu.
Selle asemel, et proovida lahti mõtestada, mis erinevad asjad võiksid olla ja kus need viimasel maalil asuvad, mõelge sellest kui Picasso stenograafist. Lihtne märkide tegemine piltide jaoks, mida ta mõtetes hoidis. Keskenduge sellele, kuidas ta seda kasutab, et otsustada, kuhu maali elemendid paigutada, nende elementide vastasmõjule.
"Guernica" - Picasso
See kuulus Picasso maal on tohutu: 3,5 x 7,76 meetrit 11 jalga 6 tolli ja 25 jalga 8 tolli lai. Picasso maalis selle 1937. aasta Pariisi maailmanäitusel Hispaania paviljoni tellimusel. See asub Hispaanias Madridi muuseumis Reina Sofia.
"Portrait de Mr Minguell" - Picasso
Picasso tegi selle portreemaali 1901. aastal, kui ta oli 20-aastane. Teema oli Kataloonia rätsep hr Minguell, keda arvatavasti tutvustas Picassoga tema kunstikaupmees ja sõber Pedro Manach1. Stiil näitab Picasso koolitust traditsioonilises maalikunstis ja seda, kui kaugele tema maalistiil karjääri jooksul arenes. See, et see on paberile maalitud, on märk sellest, et see tehti ajal, mil Picasso murti, ja ei teeninud oma kunstist veel piisavalt raha, et lõuendile maalida.
Picasso andis Minguellile maali kingituseks, kuid ostis selle hiljem tagasi ja omas seda ka siis, kui ta 1973. aastal suri. Maal pandi lõuendile ja tõenäoliselt taastati ka Picasso juhendamisel "millalgi enne 1969. aastat"2, kui see pildistati Christian Zervose raamatu jaoks Picassos.
Järgmine kord on teil üks neist õhtusöögipartii vaidlustest selle üle, kuidas kõik mitte-realistlikud maalijad ainult maalivad abstraktne, kubist, fauvist, impressionist, vali oma stiil, sest nad ei saa teha "päris maale", küsige inimeselt, kas ta pani Picasso sellesse kategooriasse (enamik teeb), siis mainige seda maali.
Allikas:
1 & 2. Bonhamsi müük 17802 Palju üksikasju Impressionistliku ja moodsa kunsti müük 22. juunil 2010. (Vaadatud 3. juunil 2010.)
"Dora Maar" või "Tête De Femme" - Picasso
2008. aasta juunis oksjonil müües müüdi see Picasso maal 7 881 250 naela (15 509 512 USA dollarit). Enampakkumise hinnang oli olnud kolm kuni viis miljonit naela.
Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Seda Picasso tohutut maali (ligi kaheksa ruutjalga) kuulutatakse kui üht olulisimat moodsa kunsti tükki, mis kunagi loodud on, kui mitte kõige olulisem, ülioluline maal kaasaegse kunsti arengus. Maalil on kujutatud viit naist - lõbumajas prostituute -, kuid selle üle, mida see kõik tähendab, ja kõigi viidete ja mõjutuste üle on palju vaieldud.
Kunstikriitik Jonathan Jones1 ütleb:
"Mis tabas Picassot Aafrika maskides [mis ilmnes paremal olevate isikute nägudest] oli kõige ilmsem asi: et nad maskeerivad sind, muudavad sind millekski muuks - loomaks, deemoniks, a jumal. Modernism on kunst, mis kannab maski. See ei ütle, mida see tähendab; see pole aken, vaid sein. Picasso valis oma teema just seetõttu, et see oli klišee: ta tahtis näidata, et originaalsus kunstis ei seisne narratiivis ega moraalis, vaid formaalses leiutises. Seetõttu on ekslik pidada Les Demoiselles d'Avignonit maaliks, mis räägib bordellidest, prostituudidest või kolonialismist.
Allikas:
1. Pablo punkarid autor Jonathan Jones, Eestkostja, 9. jaanuar 2007.
"Naine kitarriga" - Georges Braque
Georges Braque, Naine kitarriga, 1913. Õli ja süsi lõuendil. 51 1/4 x 28 3/4 tolli (130 x 73 cm). Musee National d'Art Moderne'is, Centre Georges Pompidou, Pariis.
Punane stuudio - Henri Matisse
See maal on Moodsa kunsti muuseum (Moma) New Yorgis. See näitab Matisse'i maalistuudio interjööri lamestatud perspektiivi või ühe pilditasapinnaga. Tema ateljee seinad polnud tegelikult punased, need olid valged; efekti saamiseks kasutas ta oma maalil punast värvi.
Tema stuudios on väljas erinevad tema kunstiteosed ja stuudiomööbel. Tema ateljee mööbli piirjooned on värvi jooned, mis paljastavad värvi madalamast, kollasest ja sinisest kihist, mitte punase peale maalitud.
1. "Nurga all olevad jooned viitavad sügavusele ja akna sinakasroheline tuli tugevdab siseruumi tunnet, kuid punase värvus tasandab pilti. Matisse võimendab seda efekti, jättes näiteks toanurga vertikaalse joone välja. "
- MoMA Highlights, avaldanud Moma, 2004, lk 77.
2. "Kõik elemendid... vajuma oma individuaalsed identiteedid, millest sai pikaajaline meditatsioon kunsti ja elu, ruumi, aja, taju ja tegelikkuse enda olemuse üle... ristmik lääne maalikunstile, kus klassikaline väljapoole suunatud, peamiselt mineviku esinduskunst kohtus tuleviku ajutise, sisemise ja enesele viitava eetosega... "
- Hilary Spurling,, lk 81.
Tants - Henri Matisse
Ülemisel fotol on Matisse'i valmis maal pealkirjaga Tants, mis valmis 1910. aastal ja on nüüd Venemaal Peterburis Riiklikus Ermitaaži muuseumis. Alumisel fotol on kujutatud täissuuruses kompositsiooniuuring, mille ta tegi maali jaoks, nüüd EMA USA-s New Yorgis. Matisse maalis selle vene kunstikollektsionääri Sergei Štšukini tellimusel.
See on tohutu maal, ligi neli meetrit lai ja kaks ja pool meetrit kõrge (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2") ja on maalitud kolme värviga piiratud paletiga: punane, roheline ja sinine. Ma arvan, et see on maal, mis näitab, miks Matisseel on selline koloristi maine, eriti kui võrrelda uuringut lõpliku maaliga selle helendavate kujunditega.
Hilisse Spurling ütleb Matisse elulooraamatus (lk 30):
"Need, kes nägid esimest versiooni Tants kirjeldas seda kui kahvatut, õrna, isegi unenäolist, kõrgendatud värvidega maalitud... teises versioonis ägedaks, lamedaks fermiks vermilionfiguurid, mis vibreerivad erkroheliste ja taevaste ribade vastu. Kaasaegsed nägid maali paganliku ja dionüüsilikuna. "
Pange tähele lamestatud perspektiivi, kuidas joonised on sama suurusega kui väiksematest kaugemal olevad figuurid, nagu see ilmneks esindusmaalide perspektiivis või eelvaates. Kuidas jooniste taga olev sinise ja rohelise joon on kumer, kajastades kujundite ringi.
"Pind värviti küllastumiseni kuni punktini, kus sinine, absoluutse sinise idee, oli lõplikult olemas. Erkroheline maa jaoks ja elav vermilion kehade jaoks. Nende kolme värviga oli mul valguse harmoonia ja ka tooni puhtus. "- Matisse
Allikas:
Greg Harris, Londoni Kuningliku Kunstiakadeemia näitus "Sissejuhatus vene keelest näitusele õpetajatele ja õpilastele", 2008.
Kuulsad maalijad: Willem de Kooning
Maalikunstnik Willem de Kooning sündis 24. augustil 1904 Hollandis Rotterdamis ja suri New Yorgis Long Islandil 19. märtsil 1997. De Kooning õppis 12-aastaselt kommertskunsti- ja dekoratsioonifirmasse ning käis kaheksa aastat Rotterdami kaunite kunstide ja tehnikaakadeemias õhtutundides. Ta emigreerus USA-sse 1926. aastal ja alustas täiskohaga maalimist 1936. aastal.
De Kooningu maalistiil oli abstraktne ekspressionism. Esimese isikunäituse oli tal New Yorgis Charles Egani galeriis 1948. aastal mustvalge emailvärviga teos. (Ta hakkas kasutama emailvärvi, kuna tal polnud kunstnikupigmente endale lubada.) 1950. aastateks tunnistati ta abstraktse ekspressionismi üks eestvedajaid, ehkki mõned stiilipuristid arvasid, et tema maalid (näiteks tema Naine seeriad) sisaldavad liiga palju inimlikku vormi.
Tema maalid sisaldavad palju kihte, elemendid kattuvad ja on peidetud, kui ta maali ümbertöötas ja ümber tegi. Muudatusi on lubatud näidata. Ta joonistas oma lõuenditele palju sütt, nii esialgse kompositsiooni kui ka maalimise ajal. Tema pintslitöö on žestiline, väljendusrikas, metsik, löökide taga on energiatunne. Viimane maalide pilk on tehtud, kuid ei olnud.
De Kooningu kunstiline väljund hõlmas ligi seitse aastakümmet ning hõlmas maale, skulptuure, joonistusi ja graafikat. Tema viimased maalid Allikas 1980. aastate lõpus. Tema kuulsaimad maalid on Roosad inglid (c. 1945), Kaevetööd (1950) ja tema kolmas Naine seeria (1950–53) tehtud maalilisemas stiilis ja improvisatsioonilises lähenemises. 1940. aastatel töötas ta samaaegselt abstraktsetes ja esindusstiilides. Tema läbimurre tuli mustvalgete abstraktsete kompositsioonidega aastatel 1948–49. 1950. aastate keskel maalis ta linnade abstraktsioone, naastes 1960. aastate figuratsiooni juurde, seejärel 1970. aastate suurte žestide abstraktsioonide juurde. 1980. aastatel muutus de Kooning siledate pindade töötamiseks, klaasides erksate ja läbipaistvate värvidega üle žestijooniste fragmentide.
Ameerika gootika - Grant Wood
Ameerika gooti on ilmselt kõige kuulsam kõigist Ameerika kunstniku Grant Woodi loodud maalidest. Nüüd asub see Chicago Kunstiinstituudis.
Grant Wood maalis 1930. aastal "Ameerika gooti". Sellel on kujutatud meest ja tema tütart (mitte tema naist1) seisavad oma maja ees. Grant nägi maali inspireerinud hoonet Iowas Eldonis. Arhitektuuristiiliks on Ameerika gooti stiil, kus maal saab oma pealkirja. Maali modellid olid Woodi õde ja nende hambaarst.2. Maal on allserva lähedal, mehe kombinesoonil, allkirjastatud kunstniku nime ja aastaga (Grant Wood 1930).
Mida maal tähendab? Wood kavatses seda kujutada endast väärikat kesk-lääne ameeriklaste iseloomu, näidates nende puritaanlikku eetikat. Kuid seda võiks pidada kommentaariks (satiiriks) maaelanikkonna sallimatuse suhtes autsaiderite suhtes. Maali sümboolika hõlmab rasket tööd (tork) ja kodust (lillepotid ja koloniaalprindiga põll). Kui vaatate tähelepanelikult, näete, et mehe kombinesooni õmblustes kajasid varruka kolm haru, jätkates tema särgi triipe.
Allikas:
Ameerika gooti, Chicago kunstiinstituut, välja otsitud 23. märts 2011.
"Ristipüha Johannese Kristus" - Salvador Dali
See maal Salvador Dali on kollektsiooni Kelvingrove kunstigalerii ja muuseum Šotimaal Glasgow's. Esmakordselt näidati seda galeriis 23. juunil 1952. Maal osteti 8 200 naela eest, mida peeti kõrgeks hinnaks, kuigi see sisaldas autoriõigusi, mis võimaldas galeriil teenida paljundustasusid (ja müüa lugematuid postkaarte!).
Dali jaoks oli harjumatu müüa maalile autoriõigusi, kuid tal oli raha vaja. (Autoriõigus jääb esitajale alles siis, kui see on üle kirjutatud, vt Artisti autoriõiguste KKK.)
"Ilmselt rahalistes raskustes palus Dali esialgu 12 000 naela, kuid pärast rasket läbirääkimist... ta müüs selle peaaegu kolmandiku vähem ja kirjutas 1952. aastal alla autoriõiguste loovutamise kirjale [Glasgow] linnale.
Maali pealkiri on viide joonisele, mis Dalit inspireeris. Pliiatsi- ja tindijoonistus tehti pärast seda, kui Ristipüha Johannes (Hispaania karmeliidi vend, 1542–1591) nägi, kus ta nägi Kristuse ristisurma nii, nagu vaataks seda ülevalt. Kompositsioon on silmatorkav oma ebatavalise vaatenurga poolest Kristuse ristisurmast, valgustus on dramaatiliselt visatav tugev varjudja seda on palju kasutatud eeljagamine joonisel. Maal allosas on Dali kodulinna Port Lligati sadam Hispaanias.
Maal on olnud mitmes küsimuses vaieldav: summa, mis selle eest maksti; teema; stiil (mis tundus pigem retro kui moodne). Maali kohta loe lähemalt galerii kodulehelt.
Allikas:
"Dali piltide sürreaalne juhtum ja lahing kunstilitsentsi üle"autor Severin Carrell, Eestkostja, 27. jaanuar 2009
Campbelli supipurgid - Andy Warhol
Detail Andy Warholilt Campbelli supipurgid. Akrüül lõuendil. 32 maali, igaüks 20x16 "(50,8x40,6cm). Kollektsioonis Moodsa kunsti muuseum (MoMA) New Yorgis.
Warhol eksponeeris oma Campbelli supipurgimaalide sarja esmakordselt 1962. aastal, kusjuures iga maali põhi toetub riiulile nagu purk supermarketis. Seerias on 32 maali, Campbelli omal ajal müüdud supisortide arv.
Kui oleksite ette kujutanud, et Warhol varustab oma sahvrit supipurkidega, siis sööb purki nii, nagu ta oleks maalimise lõpetanud, siis tundub, et mitte. Moma veebisaidi andmetel kasutas Warhol Campbelli tootenimekirja, et määrata igale maalile erinev maitse.
Kui selle kohta küsiti, ütles Warhol:
"Varem jõin seda. Mul oli varem iga päev sama lõunasöök, paarkümmend aastat, ma arvan, sama asi ikka ja jälle. "1
Ilmselt polnud Warholil ka tellimust, kus ta sooviks maalid välja panna. Moma eksponeerib maale "ridades, mis kajastavad [suppide] kasutuselevõtu kronoloogilist järjekorda, alustades vasakul ülal olevast" Tomatist ", mis debüteeris 1897. aastal."
Nii et kui maalite seeria ja soovite, et neid kuvatakse kindlas järjekorras, siis märkige see kindlasti kuhugi üles. Lõuendite tagumine serv on ilmselt parim, kuna siis ei eraldata seda maalist (kuigi see võib peita, kui maalid on raamitud).
Warhol on kunstnik, keda maalijad tahavad sageli tuletada tuletatud teoseid. Enne sarnaste asjade tegemist tasub tähele panna kahte asja:
- Peal Moma veebileht, seal on märge Campbelli Soup Co litsentsi kohta (st supifirma ja kunstniku kinnisvara vaheline litsentsileping).
- Autoriõiguste jõustamine näib Warholi päevil olnud vähem teema. Ärge tehke Warholi teose põhjal oletusi autoriõiguste kohta. Tehke oma uurimistöö ja otsustage, milline on teie mure võimaliku autoriõiguste rikkumise juhtumi pärast.
Campbell ei tellinud Warholil maalide tegemist (ehkki nad tellisid 1964. aastal ühe pensionile mineva juhatuse esimehe jaoks) ja oli mures, kui kaubamärk ilmus Warholi maalidele 1962. aastal, rakendades ootamise ja vaatamise lähenemist, et hinnata, kuidas reageeriti maalingud. Aastatel 2004, 2006 ja 2012 müüsid Campbell's spetsiaalsete Warholi mälestusmärkidega purke.
Allikas:
1. Nagu tsiteeritud Moma, vaadatud 31. augustil 2012.
Suuremad puud Warteri lähedal - David Hockney
Ülemine: Kunstnik David Hockney seisab osa oma õlimaalist "Suuremad puud Warteri lähedal", mille ta kinkis Tate Britain'ile 2008. aasta aprillis.
Alt: Maali eksponeeriti esmakordselt 2007. aasta suvenäitusel Londoni Kuninglikus Akadeemias, mis haaras kogu seina.
David Hockney õlimaal "Suuremad puud Warteri lähedal" (nimetatakse ka Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) kujutab stseeni Yorkshire'is Bridlingtoni lähedal. 50 lõuendist kõrvuti asetatud maal. Kui kokku liita, on maali üldsuurus 40x15 jalga (4,6x12 meetrit).
Sel ajal, kui Hockney selle maalis, oli see suurim teos, mille ta kunagi valminud oli, kuigi mitte esimene, mille ta oli loonud mitme lõuendi abil.
" Tegin seda, sest sain aru, et saan hakkama ka ilma redelita. Maalides peate suutma tagasi astuda. Noh, on kunstnikke, kes on tapetud redelitelt tagasi astudes, kas pole?"
- tsiteeris Hockney a Reuter uudiste aruanne, 7. aprill 2008.
Hockney kasutas kompositsiooni ja maalimise abistamiseks jooniseid ja arvutit. Pärast lõigu valmimist tehti foto, et ta saaks kogu maali arvutis näha.
"Esiteks visandas Hockney ruudustiku, mis näitas, kuidas stseen sobiks kokku üle 50 paneeli. Seejärel hakkas ta kohapeal töötama üksikute paneelide kallal. Kui ta nende kallal töötas, pildistati neid ja tehti arvutimosaiik, et ta saaks oma edusamme kaardistada, kuna tal võis seinal olla korraga ainult kuus paneeli. "
Allikas:
Charlotte Higgins, hooldaja kunstikorrespondent, Hockney annetab Tate'ile tohutut tööd, 7. aprill 2008.
Henry Moore'i sõjamaalid
The Henry Moore'i näitus Londonis Tate Britain galeriis toimus 24. veebruarist 8. augustini 2010.
Briti kunstnik Henry Moore on kõige kuulsam oma skulptuuride poolest, kuid tuntud ka oma tindi, vaha ja akvarellmaalid inimestest, kes varjuvad Teise maailmasõja ajal Londoni metroojaamades. Moore oli ametlik sõjakunstnik ja 2010.a. Henry Moore'i näitus Tate Britain galeriis on neile pühendatud ruum. Tehtud 1940. aasta sügise ja 1941. aasta suve vahel, rippusid tema kujutised magavatest tegelastest rongis tunnelid haarasid ahastustunnet, mis muutis tema mainet ja mõjutas rahva ettekujutust Blitz. Tema 1950. aastate looming kajastas sõja tagajärgi ja edasiste konfliktide väljavaateid.
Moore sündis Yorkshire'is ja õppis 1919. aastal pärast teenimist Esimeses maailmasõjas Leedsi kunstikoolis. 1921. aastal võitis ta stipendiumi Londoni Kuninglikus Kolledžis. Hiljem õpetas ta nii kuninglikus kolledžis kui ka Chelsea kunstikoolis. Alates 1940. Aastast elas Moore Perry Greenis Hertfordshire'is, kus nüüd elab ka Henry Moore'i fond. 1948. aasta Veneetsia biennaalil võitis Moore rahvusvahelise skulptuuriauhinna.
"Frank" - Chuck Close
"Frank", autor Chuck Close, 1969. Akrüül lõuendil. Suurus 108 x 84 x 3 tolli (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). Aastal Minneapolise kunstiinstituut.
Lucian Freudi autoportree ja fotoportree
Kunstnik Lucian Freud on tuntud oma intensiivse, andestamatu pilgu poolest, kuid nagu see autoportree näitab, pöörab ta selle iseendale, mitte ainult oma modellidele.
1. "Ma arvan, et suurepärane portree on seotud... tunne ja individuaalsus ning austuse intensiivsus ja keskendumine konkreetsele. " 1
2. "... peate proovima ennast teise inimesena maalida. Autoportreede abil saab "sarnasusest" hoopis teine asi. Pean tegema seda, mida tunnen, ilma et oleksin ekspressionist. " 2
Allikas:
1. Lucian Freud, tsiteeritud Freud at Work lk 32-3. 2. Lucian Freudi tsiteeritud raamatus Lucian Freud, autor William Feaver (Tate Publishing, London 2002), lk 43.
"Mona Lisa isa" - mees Ray
Man Ray "Mona Lisa isa", 1967. Kiudplaadile paigaldatud joonise reprodutseerimine koos sigari lisamisega. Suurus 18 x 13 5/8 x 2 5/8 tolli (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). Kollektsioonis Hirshorni muuseum.
Paljud inimesed seostavad Man Rayd ainult fotograafiaga, kuid ta oli ka kunstnik ja maalikunstnik. Ta oli kunstnik Marcel Duchampiga sõber ja töötas temaga koostöös.
1999. aasta mais Kunstiuudised ajakiri lisas Man Ray oma 20. sajandi 25 mõjukaima kunstniku nimekirja tema fotograafia ja "filmi, maali, skulptuuri, kollaaži, montaaži uurimise eest. Neid prototüüpe nimetataks lõpuks performance-kunstiks ja kontseptuaalseks kunstiks. "
Art News ütles:
"Man Ray pakkus kunstnikele kõikides meediakanalites näiteid loomingulisest intelligentsusest, mis oma" naudingu ja vabaduse poole püüdlemisel "[Man Ray ütles põhimõtted] avasid kõik uksed, kuhu nad jõudsid, ja kõndisid vabalt, kuhu tahtsid. "(Tsitaadi allikas: Art News, mai 1999, AD" Willful Provocateur " Coleman.)
See tükk "Mona Lisa isa" näitab, kuidas suhteliselt lihtne idee võib olla tõhus. Kõva osa on idee esitamine kõigepealt; mõnikord tulevad need inspiratsiooni välguna; mõnikord ideede ajurünnaku osana; mõnikord kontseptsiooni või mõtte väljatöötamise ja järgimisega.
Kuulsad maalijad: Yves Klein
Tagantjärele: Yves Kleini näitus Hirshhorni muuseumis Washingtonis, USAs, 20. maist 2010 kuni 12. septembrini 2010.
Kunstnik Yves Klein on ilmselt kõige kuulsam oma ühevärviliste kunstiteoste poolest, millel on tema eriline sinine värv (näiteks "Elav pintsel"). IKB ehk International Klein Blue on tema sõnastatud ultramariinsinine.
Nimetades ennast "ruumi maalikunstnikuks", püüdis Klein "saavutada puhta materjali abil immateriaalset vaimsust" ja tundis muret "kunsti kontseptuaalse olemuse tänapäevaste arusaamade üle"1.
Kleinil oli suhteliselt lühike karjäär, vähem kui kümme aastat. Tema esimene avalik töö oli kunstniku raamat Yves Peintures ("Yvesi maalid"), ilmunud 1954. aastal. Tema esimene avalik näitus oli 1955. aastal. Ta suri 1962. aastal infarkti tõttu 34-aastaselt. (Kleini elu ajaskaala alates Yves Kleini arhiiv.)
Allikas:
1. Yves Klein: tühisuse, täisjõududega, Hirshhorni muuseum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, vaadatud 13. mail 2010.
"Elav pintsel" - Yves Klein
See prantsuse kunstniku maal Yves Klein (1928-1962) on üks seeriaid, kus ta kasutas "elavaid pintsleid". Ta kattis naistemudelid oma allkirja sinise värviga (International Klein Blue, IKB) ja seejärel etenduskunstiteoses publiku ees, kes nendega "maaliti", suunates neid suurtele paberilehtedele suuliselt.
Pealkiri "ANT154" tuleneb kunstikriitik Pierre Restany kommentaarist, mis kirjeldab maalid, mis on toodetud kui "sinise perioodi antropomeetriad". Klein kasutas seeriana akronüümi ANT pealkiri.
Must maal - Ad Reinhardt
"Värvides on midagi valesti, vastutustundetut ja arutu; midagi võimatut kontrollida. Kontroll ja ratsionaalsus on osa minu moraalist. " - Ad Reinhard 1960. aastal 1
See ameerika kunstniku Ad Reinhardti (1913-1967) mustvalge maal asub New Yorgis moodsa kunsti muuseumis (Moma). See on 60x60 "(152,4x152,4cm), õli lõuendil ja maaliti 1960-61. Viimase kümnendi ja natuke oma elust (ta suri 1967. aastal) kasutas Reinhardt oma maalides lihtsalt musta värvi.
Amy Sia, kes foto tegi, ütleb korrapidaja, kuidas maal on jagatud üheksaks ruuduks, millest igaühel on erinev musta varjund.
Ärge muretsege, kui te ei näe seda fotol. Seda on isegi maali ees olles raske näha. Temas essee Reinhardtist Guggenheimi puhul kirjeldab Nancy Spector Reinhardti lõuendeid kui "vaigistatud musti ruudukesi, mis sisaldavad vaevumärgatavaid ristikujulisi kujundeid, [mis] vaidlustavad nähtavuse piire" 2.
Allikas:
1. Värv kunstis John Gage, lk 205
2. Reinhardt, autor Nancy Spector, Guggenheimi muuseum (vaadatud 5. augustil 2013)
John Virtue Londoni maal
Briti kunstnik John Virtue on alates 1978. aastast maalinud abstraktseid maastikke mustvalgelt. Londoni rahvusgalerii toodetud DVD-l sundib Virtue mustvalgelt töötades teda "olema leidlik... leiutada uuesti". Eschewing color "süveneb minu tunne, mis värvi seal on... Aimu tegelikult sellest, mida ma näen... on kõige parem, täpsem ja täpsem, kui mul pole õlipaletti värvi. Värv oleks tupiktänav. "
See on üks John Virtue Londoni maalidest, mis tehti ajal, mil ta oli Rahvusgalerii assotsieerunud kunstnik (aastatel 2003–2005). The Rahvusgalerii veebileht kirjeldab vooruse maale kui "idamaise harjamaali ja ameerika abstraktse ekspressionismi sugulust" ning on tihedalt seotud "suure inglise keelega" maastikumaalijad, Turner ja Constable, keda voorus imetleb tohutult "ning mida mõjutavad Hollandi ja Flaami maastikud Ruisdael, Koninck ja Rubens ".
Voorus ei anna oma maalidele pealkirju, vaid ainult numbreid. Intervjuus 2005. Aasta aprillinumbris Kunstnike ja illustraatorid ajakirja, voorus ütleb, et ta hakkas oma tööd kronoloogiliselt nummerdama juba 1978. aastal, kui ta hakkas töötama ühevärvilisena:
"Hierarhiat pole. Pole tähtis, kas see on 28 jalga või kolm tolli. See on mitteverbaalne päevik minu olemasolust. "
Tema maale nimetatakse ainult "Maastikuks nr 45" või "Maastikuks nr 630" jne.
Kunstikast - Michael Landy
Kunstnik Michael Landy näitus "Art Bin" toimus Lõuna-Londoni galerii 29. jaanuarist 14. märtsini 2010. Kontseptsioon on tohutu (600m3) galeriiruumi ehitatud prügikast, kuhu visatakse kunsti, "loomingulise läbikukkumise monument"1.
Kuid mitte ühtegi vana kunsti; pidite kandideerima oma kunsti prügikasti viskamiseks kas veebis või galeriis, kusjuures Michael Landy või üks tema esindajatest otsustas, kas seda võiks lisada või mitte. Kui see vastu võeti, visati see ühes otsas asuvast tornist prügikasti.
Kui näitusel olin, visati mitu tükki sisse ja viskamise tegijal oli olnud palju harjutusi sellest, kuidas ta suutis ühe maali libiseda otse pildi teisele poole konteiner.
Kunstitõlgendus suundub teele, millal / miks kunsti peetakse heaks (või prügiks), subjektiivsust kunstis kunstile omistatud väärtus, kunstikogumine, kunstikollektsionääride ja galeriide jõud kunstniku loomiseks või lõhkumiseks karjäär.
Kindlasti oli huvitav mööda külgi kõndida, vaadates, mis oli sisse visatud, mis purunenud (palju polüstüreenitükke) ja mis mitte (enamik lõuendil olevaid maale olid terved). Kusagil allosas oli Damien Hirsti klaasiga kaunistatud suur koljuprint ja Tracey Emini tükk. Lõppkokkuvõttes oleks võimalik ringlussevõetud (näiteks paberi- ja lõuendikanderaamid) ning ülejäänu määratud prügimäele. Maetud prügina, tõenäoliselt ei kaevata arheoloog seda sajandeid hiljem välja.
Allikas:
1&2. # Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), Lõuna-Londoni galerii veebisait, vaadatud 13. märtsil 2010.
Barack Obama - Shepard Fairey
Selle USA poliitiku Barack Obama maali, segatehnikas šabloonitud kollaaž, lõi Los Angeleses asuv tänavakunstnik, Shepard Fairey. See oli Obama 2008. aasta presidendivalimiste kampaanias kasutatud keskne portreepilt, mida levitati piiratud tiraažiga ja tasuta allalaaditava failina. Nüüd asub see Washingtoni osariigi rahvusportaalis.
1. "Obama plakati loomiseks (mille ta tegi vähem kui nädalaga) haaras Fairey kandidaadist uudisfoto Internetist. Ta otsis Obamat, mis nägi välja presidendivalimised... Seejärel lihtsustas kunstnik jooni ja geomeetriat, kasutades punast, valget ja sinist patriootlikku paletti (millega ta mängib, muutes valge beežiks ja sinise pastelseks tooniks)... rasvased sõnad ...
2. "Tema Obama plakatid (ja paljud tema kaubanduslikud ja kaunid kunstiteosed) kujutavad endast revolutsioonilised propagandistid - erksad värvid, julge kiri, geomeetriline lihtsus, kangelaslikud poosid. "
Allikas:
"Obama kinnitus seina peal" autor William Booth, Washington Post 18. mai 2008.
"Reekviem, valged roosid ja liblikad" - Damien Hirst
Briti kunstnik Damien Hirst on kõige kuulsam oma formaldehüüdis säilinud loomade poolest, kuid 40ndate aastate alguses naasis ta õlimaali juurde. 2009. aasta oktoobris eksponeeris ta esimest korda aastatel 2006–2008 loodud maale Londonis. See näide kuulsa kunstniku veel mitte kuulsast maalist pärineb temalt näitus Londonis Wallace'i kollektsioonis pealkirjaga "No Love Lost". (Kuupäevad: 12. oktoober 2009 - 24. jaanuar 2010.)
BBC uudised tsiteeris Hirsti sõnu.
"Ta maalib nüüd ainult käsitsi", et kaks aastat olid tema "maalid piinlikud ja ma ei tahtnud keegi, kes sisse tuleb. "ja et ta" pidi esimest korda teismeliseeast saadik maalima õppima õpilane. "1
Wallace'i näitusega kaasnenud pressiteates öeldi:
"" Sinised maalid "annavad tunnistust tema loomingus julgest uuest suunast; maaliseeria, mis kunstniku sõnade järgi on "minevikuga tihedalt seotud".
Värvi lõuendile panek on Hirsti jaoks kindlasti uus suund ja sinna, kuhu Hirst läheb, lähevad tõenäoliselt ka kunstiüliõpilased. Õlimaal võib taas trendikaks muutuda.
Cheatgame-code.info „London Travel“ juhend Laura Porter käis Hirsti näituse ajakirjanduse eelvaates ja sai vastuse ühele küsimusele, mida teadsin väga: milliseid siniseid pigmente ta kasutas?
Laurale öeldi, et see oli "Preisi sinine kõigile, välja arvatud üks 25 maalist, mis on must. "Pole ime, et see on nii tume, hõõguv sinine!
Kunstikriitik Adrian Searle Eestkostja ei olnud Hirsti maalide suhtes eriti soodne:
"Halvimal juhul näib Hirsti joonis lihtsalt amatöörlik ja noorukieas. Tema pintslitööst puudub see oomp ja paanika, mis paneb sind maalija valedesse uskuma. Ta ei saa seda veel kanda. "2
Allikas:
1 Hirst "loobub marineeritud loomadest", BBC News, 1. oktoober 2009
2. "Damien Hirsti maalid on surmavalt tuhmid, "Adrian Searle, hooldaja, 14. oktoober 2009.
Kuulsad artistid: Antony Gormley
Antony Gormley on Briti kunstnik, kes on võib-olla kõige kuulsam oma skulptuuri Põhja ingel poolest, mis avati 1998. aastal. See seisab Tyneside'is, Kirde-Inglismaal, saidil, mis kunagi oli kaaskontor, tervitades teid oma 54 meetri laiuste tiibadega.
2009. aasta juulis nägi Gormley installatsioonikunst Londoni Trafalgari väljaku neljandal soklil vabatahtlikku, kes seisis 100 päeva sokkel 24 tundi ööpäevas. Erinevalt teistest Trafalgari väljaku soklitest pole neljandal soklil otse rahvusgalerii vältel alalist kuju. Mõned osalejad olid ise kunstnikud ja visandasid oma ebatavalise vaatenurga (foto).
Antony Gormley sündis 1950. aastal Londonis. Ta õppis Ühendkuningriigi erinevates kolledžites ning budismi Indias ja Sri Lankal, enne kui keskendus aastatel 1977–1979 Londoni Slade'i kunstikoolis skulptuurile. Tema esimene isikunäitus oli Whitechapeli kunstigaleriis 1981. aastal. 1994. aastal võitis Gormley oma teosega "Väli Briti saartele" Turneri preemia.
Tema elulugu tema kohta veebisaidil ütleb:
... Antony Gormley on skulptuuris inimkuju taaselustanud keha kui mälu ja muundumise koha radikaalse uurimise kaudu, kasutades subjekti, tööriista ja materjalina oma keha. Alates 1990. aastast on ta laiendanud oma muret inimliku seisundi pärast, et uurida kollektiivset keha ja suhet enese ja teiste vahel suuremahulistes installatsioonides ...
Gormley ei loo sellist kuju, nagu ta teeb, sest ta ei saa teha traditsioonilises stiilis kujusid. Pigem tunneb ta rõõmu erinevusest ja oskusest, mida nad meile annavad, neid tõlgendada. Intervjuus kasutajale Ajad1, ta ütles:
"Traditsioonilised kujud ei räägi potentsiaalist, vaid millestki, mis on juba valmis. Neil on moraalne autoriteet, mis pigem rõhub kui teeb koostööd. Minu teosed tunnistavad nende tühjust. "
Allikas:
Antony Gormley, mees, kes murdis hallituse, John-Paul Flintoff, The Times, 2. märts 2008.
Kuulsad kaasaegsed Briti maalijad
Vasakult paremale, kunstnikud Bob ja Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakeja Alison Watt.
Sel korral oli maali vaatamine Diana ja Actaeon Titsiuse autor (nägemata, vasakul vasakul) Londoni rahvusgaleriis, eesmärgiga koguda raha galerii maali ostmiseks.
Kuulsad artistid: Lee Krasner ja Jackson Pollock
Nendest kahest maalijast Jackson Pollock on kuulsam kui Lee Krasner, kuid ilma tema toetuse ja tema kunstiteoste edendamiseta ei pruugi tal olla kohta kunsti ajaskaalal, mida ta teeb. Mõlemad maalisid abstraktses ekspressionistlikus stiilis. Krasner võitles omaette kriitilise tunnustuse nimel, selle asemel, et teda lihtsalt Pollocki naiseks pidada. Krasner jättis pärandi asutada Pollock-Krasneri fond, mis annab toetusi visuaalkunstnikele.
Louis Astoni rüütli redeli molbert
Louis Aston Knight (1873–1948) oli Pariisis sündinud Ameerika kunstnik, kes on tuntud oma maastikumaalide poolest. Esialgu treenis ta oma kunstnikust isa Daniel Ridgway Knighti käe all. Esimest korda eksponeeris ta Prantsuse salongis 1894. aastal ja jätkas seda kogu elu, kogudes ka Ameerikas tunnustust. Tema maal Afterglow ostis 1922. aastal USA president Warren Harding Valge Maja jaoks.
See foto Ameerika kunsti arhiivid, kahjuks ei anna meile asukohta, kuid peate mõtlema, et iga kunstnik, kes soovib kahlata tema molbert-redeli ja värvidega vesi oli kas väga pühendatud looduse jälgimisele või üsna showman.
1897: Naiste kunstiklass
See foto aastast 1897 pärit Ameerika kunsti arhiivid näitab naiste kunstiklassi koos juhendaja William Merritt Chase'iga. Sel ajastul käisid mehed ja naised eraldi kunstitundides, kus aegade tõttu oli naistel õnne, et nad said üldse kunstiõpet omandada.
Kunsti suvekool umbes 1900
St Pauli kaunite kunstide kooli suvetundide, Mendota (Minnesota) kunstiõpilased pildistati umbes 1900. aastal koos õpetaja Burt Harwoodiga.
Mood kõrvale jättes on suured päikesekübarad väga praktilised maalimine õues kuna see hoiab päikest silmadest eemal ja peatab näo päikesepõletuse (nagu ka pikkade varrukatega pealmine osa).
"Nelsoni laev pudelis" - Yinka Shonibar
Mõnikord on see kunstiteose skaala, mis annab sellele dramaatilise efekti, palju rohkem kui teema. Yinka Shonibari "Nelsoni laev pudelis" on selline tükk.
Yinka Shonibari "Nelsoni laev pudelis" on 2,35 meetri pikkune laev veelgi kõrgema pudeli sees. See on viitseadmiral Nelsoni lipulaeva HMS 1:29 mõõtkava Võit.
"Nelsoni laev pudelis" ilmus 24. mail 2010 Londonis Trafalgari väljakul neljandal soklil. Neljas sokkel seisis tühjana aastatel 1841–1999, mil esimene käimasolevast kaasaegsete kunstiteoste sarjast, mille Neljas sokli töörühm.
Kunstiteos enne filmi "Nelsoni laev pudelis" oli Antony Gormley kirjutis One & Other, kus teine inimene seisis soklil tund aega ööpäevaringselt 100 päeva.
Aastatel 2005–2007 võis näha Marc Quinni skulptuuri, Alison Lapper Raseja alates novembrist 2007 oli see Thomas Schutte hotell 2007 mudel.
"Nelsoni laev pudelis" purjede batikid olid kunstniku poolt käsitsi lõuendile kantud, inspireeritud Aafrikast pärit riidest ja selle ajaloost. Pudel on 5x2,8 meetrit, valmistatud perspexist ja mitte klaasist ning pudel on piisavalt suur, et laeva ehitamiseks sisse ronida.
Vormindus
mlaapachicagoTeie viide
Boddy-Evans, Marion. "Kuulsate kunstnike tehtud 54 kuulsat maali." ThoughtCo, märts. 18, 2021, thinkco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18. märts). 54 Kuulsate kunstnike tehtud kuulsaid maale. Välja otsitud aadressilt https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "Kuulsate kunstnike tehtud 54 kuulsat maali." ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (vaadatud 29. märtsil 2021).
ThoughtCo kasutab küpsiseid, et pakkuda teile suurepärast kasutuskogemust. Kasutades ThoughtCo, nõustute meie